2017

2017

Temporada 4-2017

Cuarenta años / Colección MAP

El Camino de la Serpiente / Dioscorides Pérez

Abrazos / MAria de la Paz Jaramillo

El Mundo de los Museos / Mauricio Rivera

Cuarenta años / Colección MAP

Una selección de obras de 28 maestros del arte moderno y contemporáneo colombiano, producto de su donación y/o adquisición por el Museo de Arte de Pereira en sus 40 años de gestión y programación permanente en la región. 

La Fundación Museo de Arte de Pereira cumplió 40 años de trayectoria realizando cerca de 540 exposiciones con los artistas más relevantes de cada momento histórico, siendo el escenario donde artistas locales, nacionales y extranjeros han desarrollado importantes reflexiones estéticas, creando espacios de encuentro entre su conocimiento y visiones de mundo con la sociedad del eje cafetero; fortaleciendo prácticas, auspiciando acontecimientos y proponiendo cartografías que permiten comprender la realidad desde diferentes puntos de vista; el Museo en su historia se ha constituido como una plataforma para la creatividad y la construcción de redes humanas detonantes de memoria; manteniéndose al día y actualizado en todas las prácticas artísticas mundiales, sin olvidar nunca su territorio.

Algunos de los artistas presentes en la exposición son:

 

Adriana Arenas – Alejandro Obregón – Alipio Jaramillo – Álvaro Barrios – Ana Mercedes Hoyos – Antonio Barrera – Antonio Caro – Beatriz Echeverri – Beatriz Gonzalez – Camilo Lleras – Carlos Enrique Hoyos – Carlos Rojas – Delia Cugat – Edgar Negret – Eduardo Ramírez Villamizar – Elsa Zambrano – Emilio Sánchez – Enrique Grau – Fabienne Lassere – Feliza Burztyn – Fernando de Szyzzlo – Gabriel Messil – Gustavo Zalamea –  Henry Moore – Hernando Tejada – Hugo Zapata – Jaime Ardila – Jesús Rafael Soto – Jhon Castles – Jorge Elías Triana – Juan Antonio Roda – Juan Camilo Uribe – Leonel Góngora – Luis Alberto Acuña – Luis Caballero – Luis Fernando Roldán – Manuel Hernández – Martín Abad – Nadín Ospina – Omar Rayo – Oscar Muñoz – Pablo Obelar – Pedro Nel Gómez – Rafael Echeverry – Robert Moth

El Camino de la Anaconda / Dioscorides Pérez

El artista trae al Museo de Arte de Pereira su bitácora de El Camino de la Anaconda, obra en proceso que deriva de su libro Los cantos del Chamán, una investigación sobre mitos y ritos amazónicos. La componen dibujos, fotografías, video y publicaciones artísticas, de su trabajo con la serpiente ancestral; investigación en lingüismo y cosmogonías de las selvas de la región amazónica del Guaviare, Guainía y Vaupés; reflexiones y compilaciones de conocimientos ancestrales que el artista hace visibles que le permite dar a conocer las culturas indígenas. Se trata de dibujos de serpientes de gran tamaño, hechos a la orilla de los ríos con tinta china sobre papel seda, que una vez terminados arroja a sus aguas. 

Es una performance ritual-ecológica que actualiza el mito de origen de los indígenas Desana del Vaupés, que bajaron del cielo a la selva en una anaconda. La acción tiene el propósito de sanar el agua y señalar la urgencia de limpiar los ríos, proteger el bosque, la selva, la biodiversidad, la vida. Ha arrojado ya 13 serpientes en ríos de Colombia. La obra usa medios tradicionales y actuales para configurar un mensaje codificado en el lenguaje del dibujo caligráfico tradicional aprendido en China que nos habla de las culturas más antiguas de modo sincrético nos cuenta las leyendas de la selva amazónica, usando el plano simbólico, la figuración y la acción del cuerpo como lenguaje.

Abrazos / MAria de la Paz Jaramillo

En esta ocasión la artista ha esperando poder aportar desde su obra un grano de arena a la tranquilidad que anhelamos en medio del complejo ambiente social y político tanto en Colombia como en el mundo. La artista María de la Paz Jaramillo, propone que nos volquemos unos a otros a través de los “Abrazos”, en búsqueda de la reconexión.

Maripaz como se también se ha hecho llamar, siempre ha representado una lucha universal, con vigor su obra trata el conflicto, el modo de afrontarlo o, de finalmente sucumbir en él. Los temas de género presente  en su trabajo deja en ver su preocupación de exaltar el papel femenino como obreras, amas de casa o ejecutivas, detrás de cada hombre. 

La artista colombiana Maripaz Jaramillo hace de la sexualidad el tema central de su obra. En los años 70, Jaramillo produjo una serie completa sobre las posibilidades de las mujeres en la sociedad de aquel tiempo. Algunas de las obras de Jaramillo representan mujeres y parejas, con el uso de colores intensos, brochazos agitados, gestos exagerados y distorsionados, que recuerdan a la caracterización del primer expresionismo alemán, pero en un marco contemporáneo. Nacida en Colombia, Jaramillo se marchó a París para estudiar en Hayter & Atelier. Ha representado a su país en numerosas Bienales, incluyendo la Bienal de San Juan, en Puerto Rico (1979, 1983 y 1988); la Bienal de Noruega (1980 y 1982); la Bienal de Londres (1981); la Bienal de París (1985); y la Bienal de Cuenca, en Ecuador (1987). Jaramillo vive y trabaja actualmente en Colombia.

El Mundo de los Museos / Mauricio Rivera

Docente universitario. Magíster en Diseño y Creación Interactiva de la Universidad de Caldas, Licenciado en Artes Plásticas de la Universidad Tecnológica de Pereira. 

 

Existe una trayectoria en que la Tierra pervive más allá de las epistemes de época, pues de la tierra nace el arte y la cultura para volver a ella como sedimento y polvo.  

Bajar por las escaleras en espiral hasta el sótano del Museo rememora la cita histórica de La Caverna. En su pared de acceso, este manuscrito de tinta negra registra la naturaleza del Mundo y nuestro paso por él: Adentro el fuego inunda todo el espacio con intervalos y latencia. Abajo el reflejo de la noche oscura, y en su vacío una luz circular.

 

La naturaleza se autorregula en este espacio-tiempo al que hemos venido. Tierra, fuego y agua cobran sentido al convocarse a sí mismos como metaimagen: -El Mundo de los Museos-, es un conmemorar a partir del señalamiento de las características arquitectónicas del Museo de Arte de Pereira, de la presencia del fuego en el sonido del detector de incendios y las baldosas de tierra cocida. 

Temporada 3-2017

Las Máquinas de la duración / Mario Opazo

Construcciones Simultáneas / Maria José Arjona

Río Arriba / Convocatoria de dibujo en pequeño formato

Las Máquinas de la duración / Mario Opazo

En esta ocasión, el artista presenta en el Museo de Arte de Pereira su obra “Máquinas de la duración”, a partir de cuatro esculturas o máquinas-poema relacionadas con la escritura de un ensayo en el que reflexiona elementos como el tiempo, el movimiento, la duración y el cambio, siempre preguntándose por el surgimiento de la imagen, vinculado a su deseo constante de profundizar en asuntos como la memoria, sin desligarse de su condición de exiliado. Una obra que usa el sonido, el video y la escultura, -a través de un ejercicio de montaje en el que cita recuerdos íntimos y documentos traídos de archivos culturales -, como recursos mediáticos para llegar a un discernimiento de la diferencia entre la representación del movimiento en el espacio recorrido del recuerdo, y el movimiento en sí mismo presente en la memoria como actividad promotora de cambio.

Artista plástico y realizador audiovisual de origen chileno, vive y trabaja en Bogotá donde es profesor de la Universidad Nacional de Colombia. Ha participado en importantes eventos como: la 52 Bienal Internacional de Arte de Venecia, La X Bienal de la Habana, la II Bienal de Mercosur, el Premio al Arte Latinoamericano en el MOLA en Los Ángeles EE.UU, donde obtuvo el Primer Premio, el Reencontres Internacional de Cine y Video Experimental en el Centro Georges Pompidou en París y en el Museo Nacional Reina Sofía en Madrid, además de muchos otros. Ha exhibido su trabajo en exposiciones individuales y colectivas dentro y fuera del país, siendo nominado a becas y premios de creación, entre los que se destacan la nominación a la Beca Guggenheim por Paulo Bruscky en el año 2000, la nominación al Premio Luis Caballero en el 2008, el premio Luis Caballero en el 2010, entre otros. En el año 2012 fue invitado especial a la BIM, Bienal de Imagen Movimiento en Buenos Aires y en el 2016 se realizó una muestra retrospectiva de su obra en video en la ciudad de Medellín en el marco del festival Vartex.

Construcciones Simultáneas / Maria José Arjona

En la tercera temporada de exposiciones la artista María José Arjona presenta la obra “Construcciones simultáneas”, en la que une procesos que ha venido trabajando entre los años 2000 y 2013, – en obras como Construcción de un tiempo y Pero yo soy el tigre -, donde se experimenta con el cuerpo para generar reflexiones en torno al significado del tiempo, representado como montículo (cúmulos de arena o escombros que aluden a determinada medida) que va siendo de/re-construido gracias a la acción de caminar y contar, explica la artista. Acciones donde el cuerpo y su extensión en la voz que queda registrada, se resisten a la rapidez para “insertar en el presente nuevas narrativas sobre la forma como percibimos y experimentamos el tiempo”.

Para esta ocasión la obra contará con la participación de artistas locales, con quienes la artista trabajará en la reactivación del performance en el museo, desde la inauguración el 28 de julio hasta el cierre de la exposición el 15 de octubre. La participación de otros artistas, menciona María José, ha sido una herramienta fundamental en el performance que permite “replantear la forma como entendemos la autoría de una obra en la medida en que el cuerpo que se introduce se convierte en archivador de la experiencia y simultáneamente en traductor de la misma”; por lo que se agradece con gran emoción la colaboración de los artistas Ana María Lagos, Andrés Felipe Manzano, Cristhian Camilo Ortiz, Laura Meneses, Natalia Bustamante, Ruben Dario Ladino, Alejandro Vela y Valentina Ramírez.

Participantes: Ana María Lagos Gallego – Andrés Felipe Manzano – Cristhian Camilo Ortiz Ladino – Laura Meneses Pineda – Natalia Bustamante Castro – Ruben Dario Ladino

Río Arriba / Convocatoria de dibujo en pequeño formato

Con relación a un panorama expositivo que considera asuntos como el tiempo, la memoria y la potencia de cuerpos en constante movimiento poético, se abrió desde el Museo de Arte de Pereira la convocatoria de dibujo en pequeño formato “Río arriba”, donde se invitó a artistas con diferentes perspectivas del dibujo a participar de una exposición colectiva que les propone responder qué es para ellos el río.

En primera instancia la exposición exigía una experiencia: cada participante debía traer junto con su dibujo una fotografía de su paseo al río o acompañar al equipo del museo en un paseo al río Otún; ofreciéndose como ocasión a los artistas para reunirse a considerar el movimiento donde sucede el cambio del que habla Heráclito (“nadie puede bañarse dos veces en un mismo río”), el tiempo, la luz, la memoria, las orillas, la corriente contra la cual se avanza cuando se va río arriba, las políticas de los asentamientos de los cuerpos, entre las otras cosas a las que se puede prestar nueva atención mientras se sigue estando inmerso en una materia bastante considerada como el río que, como expresa Borges, no nos es ajena ya que nosotros mismos “somos el tiempo… Somos el agua…la que se pierde, no la que reposa…somos el río…Todo nos dijo adiós, todo se aleja. La memoria no acuña su moneda. Y sin embargo hay algo que se queda, y sin embargo hay algo que se queja.”

Artistas: 34 artistas de origen local y nacional.

Temporada 2-2017

Atlas / Mario Vélez

Dibujos Expandidos / Colección Museo de Arte de Pereira

Salon de Arte Popular / Fundación BAT

Reproducibles / Quinta Cultural

Atlas / Mario Vélez

Este artista de origen antioqueño durante sus 28 años de trayectoria ha realizado cerca de 21 exposiciones individuales en más de 9 países del mundo, participando en bienales, salones, espacios independientes e instituciones sumando a su vida una larga lista de exposiciones colectivas.

Esta exposición de Mario Vélez está conformada por 40 obras entre pintura, escultura, encáustica e instalación que forman un todo, pueden ser leídas una por una, pero en realidad son un universo pictórico donde se representan los fenómenos físicos de la materia, la materia oscura y la luz. (…) el universo donde la energía cuántica y la vida cotidiana son uno. Las pinturas, esculturas y objetos instalados, son una serie de coordenadas que nos ubican ante la infinitud, la consciencia de la existencia a pesar de nuestra presencia insignificante. De esta manera, lo que se nos planteaba como un escenario abstracto se convierte en una interpretación cósmica del artista.

Dibujos Expandidos / Colección Museo de Arte de Pereira

Con una selección de 20 piezas escultóricas de diecisiete grandes maestros del arte moderno colombiano que componen la colección del Museo de Arte de Pereira, queremos completar el panorama estético y social que nos brinda esta 2ª temporada de exposiciones 2017, una oportunidad única para comprender a través de  los relatos de nación de 105 artistas en 4 exposiciones que configuran nuestra historia actual como Colombia.

La Fundación Museo de Arte de Pereira cumplió 40 años de trayectoria, realizando cerca de 540 exposiciones con los más relevantes artistas de cada momento histórico, creando espacios de encuentro y pensamiento artístico, siendo el escenario donde artistas locales, nacionales y extranjeros desarrollan importantes reflexiones estéticas, y proponiendo prácticas, acontecimientos y cartografías que permiten comprender la realidad desde diferentes puntos de vista; en su historia se ha constituido como una plataforma para la creatividad y la construcción de redes humanas detonantes de memoria; manteniéndose fresco y actualizado en todas las prácticas artísticas mundiales, sin olvidar nunca su territorio.

Álvaro Barrios, Beatriz Echeverri, Beatriz Gonzales, Edgar Negret, Eduardo Ramírez Villamizar, Enrique Grau, Feliza Burztyn, Hernando Tejada, Hugo Zapata, Jesús Rafael Soto, Jhon Castles, María Livia Miller, Martín Abad, Nadín Ospina, Oscar Naranjo.

Salon de Arte Popular / Fundación BAT

La exposición está compuesta por 58  obras seleccionadas entre las 1667 que se presentaron a la convocatoria nacional, entre las que se encuentran las  ganadoras, las menciones, entre otras; encontramos tallas en madera, esculturas, pinturas, fotografías, videos, instalaciones, entre otras técnicas plásticas. (información adjunta acerca de los ganadores). El Salón BAT de arte popular se ha consolidado como un espacio para divulgar y proyectar las diferentes tendencias, técnicas y expresiones de los artistas, cuya única condición es precisamente, al contrario de otras convocatorias, que no tengan educación formal en artes plásticas.  Es así como se ha descubierto un gran talento en Colombia, el cual se evidencia en el desarrollo de las técnicas, el uso de los materiales, la investigación y los rasgos identitarios que se ven plasmados en las obras.

Cesar Augusto Agudelo Martínez, Jairo Enrique Támara, Ana Luz Navarro, Eduardo Butrón, Floresminda Tapia, Oswaldo Henríquez García, Diego Holguín, Rodrigo Caballero, Carlos Andrés Ospina, Juan Francisco Cantillo, Edgardo Enrique Camacho, Irma Cecilia Pinzón, Jorge Eliécer Contreras, Juana  Alicia Ruiz, Alicia del Socorro Gómez, Jaime Gutiérrez Jaramillo, Norberto Santa Gallego, León Antonio Zapata, Jorge Eliécer Camargo, Oscar Torres Esmeral, Andrés Alarcón, Guillermo Gaitán Hernández, Crisanto Gómez Carrillo, Kelly Johana Sánchez, Jaime Rojas Prieto, Rosalvina Sierra Gallo, Rafael Eduardo Pinzón, César Augusto Ortiz, Oscar Iván Roque, Miguel Ángel Basto, José Evelio Calvete, Ramiro Cárdenas Duarte, Gabriel Castillo, Nidia Isabel Peña Rivera, Oscar Marino Quintero, Hernando Parménides Zambrano, Julio Alberto Villareal, Jorge Carrera García, José René Arcos, John Fredy Campo, Carlos Efraín Rosero, Gloria Amparo Morales, Jhon Alexander Maya, Juan Mauricio Franco, Eduardo Muñoz Lora, Fabián Arturo Morales, Henry Villada Tamayo, Hernando Vargas Morales, Wilson Gutiérrez Lozano, Draison Murillo, Carlos Egidio Moreno, Mauricio Alejandro Giraldo, Gabriel Andrés Posada, Berenice Angie Cerquera, Julio César Ojeda, Jorge Alonso Zapata.

Reproducibles / Quinta Cultural

En esta exposición, la reproducción no se aborda únicamente desde la técnica, es decir, desde el ejercicio o el acto mismo de volver a (re)producir. Las obras también se acercan a ello como tema de reflexión, señalando un amplio espectro de posibilidades para interpretarlo y comprenderlo, para transmitirlo y expresarlo. En las piezas, forma y contenido se aproximan a la reproducción como concepto, a veces de manera armónica y complementaria, otras veces compitiendo y contradiciendose. En la búsqueda por acercarse a la reproducción es necesario recurrir a la repetición, a la imitación o a la réplica, pero el proceso creativo no se reduce a un obediente acto mecánico. Eso son los Reproducibles: el resultado de una decisión entre la continuidad y la discontinuidad. Cada reproducible traza una línea propia que separa lo que mantiene de lo que cambia, lo que replica de lo que modifica, lo que permanece de lo que irrumpe.

Alberto Miani, Alejandro Londoño, Antonio Bermúdez, Azadeh Gholizadeh, Boris Restrepo, Carlos Gómez, Cristian Navas, Diana Torres, Elnaz Javani, Ernesto Soto, Fredy Clavijo, Javier Vanegas
, José Sanín
, Juan Pablo Lozano, Juana Anzellini
, Maite Ibarreche, Mateo Zúñiga
, Miguel Arévalo
, Nicolás Gómez
, Nicolás Sanín, Orkideh Torabi, Pablo Gómez, Rambod Vala, Ricardo Muñoz, Sanaz Sohrabi, Santiago Forero, Sergio Román, Valeria Giraldo, Yaya Mousavi.

Temporada 1-2017

Borrador #1 o la Perpetuidad del Voto Nacional / Proyecto Bachué & Espacio El Dorado

”El espíritu no existe, Sors. Solo existe tierra- decía Vavra mostrando su puño cerrado-. Tierra y sangre y sudor y viudas y cerveza. El arte no son cosas colgadas en la pared, es rabia y uñas sucias. Esa intelectualidad que nuestros colegas predican es lo opuesto al arte. El suelo y la basura, cuando despiertan y miran para sí, eso es lo que el arte es. Las cosas lavadas y blancas son lo opuesto. El arte es el mayor crimen de la humanidad, pues va contra todas las leyes y contra todo lo que está establecido y asegurado. Es el mayor crimen que la sociedad puede imaginar, pues a través de él es que todo se ha destruido. Aquellos que hablan de creatividad no saben lo que es crear. Destruye, aplasta y bajo tus pies nace la hierba.”

El pintor debajo del lavaplatos

Afonso Cruz

 Borrador 1 o la perpetuidad del Voto Nacional – Obras de la colección Proyecto Bachué Y2K es una mirada a algunos artistas e historias marginadas de las narrativas sobre el duelo y la memoria predominantes en la teoría del arte de Colombia en lo que va de este milenio. Parte de la idea de que el arte debe poetizar y funcionar como una presencia indéxica, y dar visibilidad a los artistas que usan su obra para expresar un malestar o dejar constancia de algo que sucedió e incluso hacer una crítica al momento actual.

Las obras presentadas aquí son resultado de investigaciones y vivencias propias de cada uno de los artistas que hacen parte de la muestra. Por el contexto hostil y violento en el que fueron producidas no buscan poetizar buscando una experiencia sublime sino expresar y denunciar, usar su voz para incomodar al espectador. Esta incomodidad se traduce en críticas que dicen que los artistas no están aportando al duelo o que no están procesando los materiales (sean estos archivos, objetos o historias) sino simplemente disponiéndose. Se piensa que para que una obra sea eficiente, es necesario despojar de las cargas que poseen para limpiarlas y dar un mensaje, ojalá de paz y de duelo. 

Otra forma que se ha impuesto para descartar este tipo de obras ha sido su equiparación con el contenido provisto por los medios de comunicación amarillistas: se denuncian como efectistas, insinuando que solo quieren causar una impresión o un efecto sin buscar trascender. Todas estas categorías se utilizan únicamente para no tener que enfrentarlas o no tener que pensar en los discursos que manejan los artistas, pues no son complacientes ni elevan el espíritu. Son resultado de hechos crudos, violentos, sangrientos, haciéndolas a ellas mismas crudas, violentas y sangrientas. Son ese mugre debajo de las uñas. Son un rastro de lo que es Colombia.

Una colección privada de arte contemporáneo es en sí la mirada de un coleccionista que, como los artistas, muchas veces no sabe exactamente qué está haciendo pero siente una pulsión, una vibración que lo lleva a actuar de alguna manera. Como los artistas que hacen parte de esta muestra, el coleccionista acumula y dispone las obras para que puedan ser leídas como un conjunto, reprocesándolas.

En el caso de esta colección, dicha actitud se entiende no como un proceso de inversión monetaria sino, en los mismos términos en que lo veía Walter Benjamin cuando hablaba del momento en que una obra sale del mercado para perder su valor como mercancía, obtiene el valor de quien la aprecia. Lo que la hace independiente de su valor de uso o de cambio. Al tener un valor simbólico, las obras se escapan de la mirada alejada de la historia y se miran desde la entraña. Es desde las heridas aquí reflejadas que el coleccionista busca contar una historia –una de muchas- de un país en conflicto, donde se han perpetrado tal cantidad de modos violentos durante tanto tiempo hasta el punto en que se llegaron a naturalizar.

 Artistas:

Germán Arrubla

Felipe Arturo

Marcos Ávila

William Bahos

Alberto Baraya

Carlos Bonil

Richard Harrison Bravo

François Bucher

Leonel Castañeda

Carlos Castro

Jesús Eduardo Correa

Juan Manuel Echavarría

Nelson Fory

Juan Fernando Herrán

José Horacio Martínez

Eduard Moreno

Mario Opazo

Andrés Orjuela

Lucas Ospina

Fabio Melecio Palacios

Andrés Matías Pinilla

Edison Quiñones

José Alejandro Restrepo

Edwin Sánchez

Rosemberg Sandoval

Andrés Felipe Uribe

Carlos Uribe

Gustavo Villa

La Certeza de la Duda / Fredy Clavijo Cuartas

Hijo de un fundidor, creció en un taller donde se producían cosas útiles y muy seguramente con técnicas similares a las implementadas en la revolución industrial del siglo antepasado. Fredy Clavijo es artista plástico formado en la Universidad Tecnológica de Pereira y actual miembro de la Residencia Artística La Cuenca ubicada en el corregimiento de La Florida al lado del Otún, río titular de Pereira el cual provee el agua para el acueducto y también espacios de recreo a sus ciudadanos.

Su vida al lado del río y sus memorias de niño en el taller de su padre se sintetizan en su obra, la cual ha usado el OCIO como metáfora de la dicotomía que vive el hombre actual: entre el hacer y el no hacer, entre crear algo útil o inútil, entre el tiempo productivo y el improductivo, entre el conocimiento imaginado y el científico, entre lo hermético y lo público.

Para que haya ocio debe haber tiempo y es lo que ocurre o se ensueña en ese espacio lo que se vuelve necesario. Para Clavijo, crear ese espacio y ese tiempo es un acto subversivo en sí mismo, ya el tema, las reflexiones y la sublimación de la realidad a través de los objetos, instalaciones y dibujos son la huella de lo que se hizo cuando no se estaba haciendo. En esta muestra se quiere presentar la complejidad del pensamiento de Fredy Clavijo lo cual se evidencia en las series de dibujos Aprender de lo Inútil (2011), El Libro de los Comienzos (2015), una recopilación de videos y en la instalación creada para esta muestra: La Certeza de la Duda.

Artista plástico, nacido en la ciudad de Pereira en 1977. Egresado de la Universidad Tecnológica de Pereira en el año 2003. Su producción artística lo ha llevado a investigar sobre el manejo del tiempo libre y el ocio en diferentes estratos económicos de la sociedad contemporánea, llevando a cabo exploraciones que dan como resultado una serie de traducciones en el plano visual vinculadas especialmente con imágenes provenientes de las prácticas propias del turismo, el paseo y los viajes.