2016

2016

Temporada 4-2016

Nacimiento – César del Valle

Luz Abisal – Pipo Hernández

Lucy Tejada

Salsa pa’ ti no para mi / Dick Verdult

Nacimiento / César del Valle 

Lo importante para quien dibuja no es tener la mano preparada para rayar, es tener el cerebro presto para establecer relaciones, para descubrir las que existen y para crear unas nuevas.

ROBERTO ECHETO

 (Origen, centro del círculo), es una propuesta que retoma los principios básicos de la representación geométrica del espacio seleccionado. Nacimiento, es ir y analizar los espacios del museo para empezar de cero, y si bien surge de una pregunta existencial por el hacer como dibujo y como proceso de aprendizaje, también surge de su interés por el paisaje, un género que no había explorado; por eso sus inquietudes formales se orientan hacia el río y particularmente por la cuenca media del río Otún, que se constituye en centro contextual de atención, en una excusa para dibujar y activar de paso nuevas poéticas en consonancia con lo geométrico de la sala, principio y fin de esta intervención espacial. 

A veces perseguimos situaciones orientados por alguna premisa latente, a veces uno se empecina en tratar de resolver preguntas sobre el devenir de lo que hacemos y sobre dónde iremos a parar. La mayoría de las veces la respuesta nos sorprende habitando una pregunta nueva para darnos cuenta que simplemente estamos en tránsito, que es necesario atravesar por terrenos de la duda y los temores, que es inevitable propiciar la crisis para sabernos transformados y con el aliento suficiente, con la sensibilidad necesaria para emprender los nuevos retos. “La enfermedad es el medio con que un organismo se libera de lo extraño” para nacer de nuevo. 

ARMANDO MONTOYA LÓPEZ

Docente Titular Facultad de Artes Universidad de Antioquia

Director Galería BANASTA

Luz Abisal / Pipo Hernández

N/F Galería

Las obras de Pipo Hernández Rivero plantean dudas acerca de todo tipo de certeza cultural. Construidas con imágenes e ideas ancladas en la cultura moderna, sus obras se mueven en el territorio de la sospecha y la opacidad.

Señalando la complejidad de las posibilidades de la pintura en el siglo XXI, Su trabajo ofrece una reconsideración de lo pictórico desde estructuras formales y conceptuales bajo las que subyacen referencias al fracaso y a las vanguardias culturales.

Haciendo dialogar la posibilidad pictórica con materiales de todo tipo, e involucrando textos en idiomas que escapan al uniforme cultural y por tanto, territorios percibidos desde la inercia de la sensibilidad occidental como elementos de ansiedad, las piezas confrontan al espectador con un diálogo no resuelto, forzándole a repensar las nociones de identidad y valor. Sus obras juegan a cortar el circuito de inercias de lectura en el seno de la problemática contemporánea.

Lucy Tejada

Lucy Tejada

Nací en Pereira. Desde muy pequeña mis padres me llevaron a Manizales. permanecía allí durante un buen tiempo de mi infancia. recuerdo el barrio Versalles, un sitio que querido mucho porque estaba rodeado de naturaleza y porque fue allí donde mis padres construyeron nuestra primera vivienda propia. Un barrio rodeado de vegetación, que en realidad no parece urbano sino más bien un sitio todavía bastante rural. Nuestra casa tenía un patio trasero lleno de árboles que empezaban a crecer y en ella había una especie de Torre con pretensiones de minarete y un balcón donde crecían una enredadera Flores llegaban hasta el suelo. Allí mamá tenía un estudio para pintar y desde esa época nosotros que impregnados con el olor de las pinturas. Mis padres fabricaron ellos mismos los muebles iniciales, utilizando tablas de pino con sus correspondientes resortes, Materiales de relleno y forros. Y teníamos una “Vitrola” donde escuchamos oberturas de ópera. Recuerdo aún en la compasado chirrido de la máquina de coser de mamá – “La Cantadora”- una Singer donde ella cosía los vestidos con tanta curia como economía en los materiales. Siempre aquella hermosa austeridad y dignidad. 

Salsa pa’ ti no para mi / Dick Verdult

La exposición de Dick Verdult (también conocido como Dick El Demasiado) pule América Latina con un guante de lija. Desde las cerámicas bellas y monstruosas a los dulces dibujos de niños este conjunto de obras trabaja la curiosidad y la distorsión popular desde el punto de vista de alguien que no es de aqui ni de alla. Fernando llanos: Por eso me gusta el trabajo de Dick, me hace repensar si las decisiones racionales que la estética ha tomado no son opuestas a las de la ética que mis instintos y tripas han sugerido. 

 

Carlos Amorales: Dick Verdult, con su manera de procesar anárquicamente la cultura que recoge durante su recorrido por dentro y por fuera de su patria, es uno de los pocos artistas francamente anti académicos que sobreviven. Cuiden a este hombre, artistas como él ya no hay muchos. No dejen que se les pierda en altamar.

Cuauhtemoc Medina: Me resulta imposible abordar la obra de Dick sin crear categorías híbridas aparentemente contradictorias. Quiero pensar que más allá de la reivindicación de este espíritu de combatividad —que incluye la revulsión que a Dick le produce los momentos imitativos en que América Latina se pretende más Europea que Suiza— lo que está en juego aquí es la búsqueda de una estética y una ética. Sintetizar lo que es un laberinto de ideas, emociones y frases cortadas es una tarea de esas tan estúpidas, que sólo aventuramos los críticos de arte. Pues el asunto con Dick Verdult es que, en efecto, es sin principio sin final. Y eso es como dar una respuesta a la magnificencia y monstruosidad de la vida. Todo ello, por supuesto, es mucho más que muy poco. Todo eso es potencialmente demasiado…

Dick Verdult (holando-argentino 1954) es cineasta, escultor, performer, escritor, músico. Desde sus programas punk para la televisión holandesa VPRO en el 79, pasando por cine independiente y trabajos de arte con dinámicas de grupo (el IBW, Instituto de Lunatismo abordable), además de degenerar con gran placer la cumbia (el Neil Armstrong de la cumbia según Chucky García) los últimos diez años a reforzado su lado de artes plásticas con grandes exposiciones entre otros Van Abbemuseum, Museo del Chopo Unam, Bienal de Gwangju Corea. Últimamente está trabajando con cerámica y terminando su segunda novela “El puré de más papas”.

Temporada 3-2016

AÚN 44 Salón Nacional de Artistas / MinCultura & Alcaldía de Pereira

Temporada 2-2016

La Piscina Vacía / Daniel Salamanca

“La piscina vacía” es una novela corta y una obra plástica del artista Daniel Salamanca Núñez. El escrito es una narración, en primera persona, de una mujer viuda que pasados los 65 años y una vez jubilada, decide dedicar gran parte de su tiempo a aprender a nadar. Ese argumento es el eje central de toda la obra que, poco a poco, empieza también a tocar temas tales como la fe, el ocaso de la vida, la memoria y el deterioro arquitectónico de un lugar. 

Mientras escribía, en un ir y venir de procesos creativos, el autor va imaginando las posibilidades que esa historia tiene dentro del lenguaje de las artes visuales hasta construir un recorrido, por momentos o capítulos, en el que el espectador podrá encontrarse con obras en diversos medios y formatos, tales como el dibujo, la pintura, series gráficas y videos que retoman, de manera simbólica y metafórica, no ilustrativa, apartes del texto literario. 

Mi Mayor Defeto es el Perfesionismo / Diego Piñeros 

Una serie de dibujos que el artista Diego Piñeros García realizó con un medio tan dócil como la plastilina… “toma muestras del arsenal de formas, figuras y representaciones que viajan errantes como partículas de astros a través de los medios; selecciona destellos o esquirlas de espejos y vitrinas del mercado de íconos, pop star, súper héroes y consignas; se aferra a “imágenes” que van flotando como tablas sueltas para náufragos; arrastrado a mares de escombros, a la deriva van pedazos de presentes discontinuos, fracturados y desprendidos del tiempo. Esas “imágenes” arrojadas al vacío, afuera de la historia, se le dan como pauta para una promesa de duración.” (…) 

Mario Opazo.

Ciudad Perdida / Jaime Ávila

El trabajo más reciente del artista Jaime Ávila, se compone de una serie de dibujos en mediano y gran formato que simulan vistas aéreas de paisajes nocturnos. Cada una de las vistas está delimitada por una serie de estructuras de ordenamiento que se hacen visibles a través de la construcción de las ciudades. Las redes de luz eléctrica funcionan en estas ciudades imaginarias como líneas que marcan los límites de los territorios. Ávila hace referencia a la apropiación de la geografía y la expansión de las ciudades sobre el paisaje natural. 

El uso de la tecnología como herramienta para la privatización de la tierra se muestra también en los nombres de los paisajes, que adquieren una nueva denominación de acuerdo a sus propietarios. De esta manera el Océano Pacífico podría llamarse el Océano de Jonathan. La expansión de las urbanizaciones convierte entonces la geografía en una extensión de la ciudad. La búsqueda de la ciudad perdida tiene lugar en el dibujo que diagrama un territorio mental, evidenciando en el mapa lugares ilegales y clandestinos que se camuflan entre la naturaleza durante el día.

FOTO URBE 10.16 / Ciudad Latente

FOTO URBE 10.16 / Ciudad Latente

Festival Internacional de Fotografía en el Paisaje Cultural Cafetero llega en el 2016 a su décima versión, celebración que se une a los 15 años de la organización Ciudad Latente. Para celebrar estas coincidencias, el eje temático propuesto para este año será “10 años de-construcciones” en alusión a la fotografía como medio para redimensionar la imagen representativa en el campo de la creación artística, una antología crítica de algunas de las obras más representativas en la historia de las 9 versiones anteriores. Una diversidad de creaciones que de-construyen la fotografía, en líneas curatoriales como “construcciones documentales”, “archivos extendidos”, “documentos íntimos”, “despliegues del paisaje” o “ficciones documentales”.  

Participan en exposición más de 30 fotógrafos contemporáneos: 

Francesco Giusti (Italia)

Naida Osline (EEUU)

Rodrigo Vega (España)

Eliane Ling (Hong Kong)

Matthew O`Brien (EEUU)

Rodrigo Grajales (Pereira)

Basilio Silva (Pereira)

Juan Carlos Londoño (Pereira)

Diego Escobar (Manizales)

Didier Arenas (Pereira)

Juan Fernando Ospina (Manizales)

Víctor Galeano (Pereira)

Jesús Abad Colorado (Pereira)

Gustavo Toro (Pereira)

Adriana Pérez (Armenia)

Entre otros…

Temporada 1-2016

Siguiendo el Río / Natalia Castañeda

Una instalación en el suelo compuesto por numerosos dibujos sobre gotas de yeso que se extienden alrededor de la sala Principal del Museo. La obra invita a visitantes a colaborar en la construcción de esta representación de un afluente, pues cada relieve en yeso plantea de manera lúdica ser trazado de infinitas maneras. Así se compone un dibujo/terreno de múltiples trazos, historias y autores, donde una diversidad gráfica se extiende en el espacio, para componer un terreno frágil e inaccesible, de cualidades rocosas y acuosas, como características de un paisaje austero, seco y delicado. Al final de la muestra, la pieza cede su impecabilidad y congelación expositiva al curso de la vida, al ciclo natural de transformación y desintegración, al ofrecerse como terreno de marcha y campo de juego al visitante que la dibujo.

La Cuenca Residencia Artística / Fredy Clavijo, Ricardo Muñoz y Camilo del Mar

Una muestra que recoge algunos procesos de creación individual y colectiva realizados por artistas que han pasado por La Cuenca, realizando allí ejercicios artísticos con la comunidad del corregimiento La Florida en Pereira, invitando también al cantautor campesino Rubiel Pinillo. Esta exposición se realizara en la sala de Proyectos del Museo, como un estudio abierto con un artista invitado a realizar un proyecto creativo. Este proyecto es realizado por los artistas Fredy Clavijo Cuartas, Camilo del Mar y Ricardo Muñoz Izquierdo quienes residen permanentemente en este corregimiento a 20 minutos de Pereira.

La Barbarie Originaria / Jima Fannkugen & Guillermo Marín

La Barbarie Originaria / Jim Fannkugen & Guillermo Marín

En las salas del tercer piso y el subsuelo del Museo, es una curaduría de los artistas colombianos Guillermo Marín & Jim Fannkugen, docentes de la Universidad del Cauca,  quienes establecen un diálogo o a veces confrontaciones entre perspectivas de una región tan diversa en aspectos geográficos, sociales, económicos y culturales, conformes a sus circunstancias territoriales. Circunstancias suscritas en procesos coloniales postergados como; resistencia, territorios en disputa, espectros memoriales y taxonomías; estos resultan tópicos fundamentales que tratan de abarcar en esta investigación curatorial. Cuentan con artistas que por alguna razón pasaron a través del territorio caucano y otros que todavía residen allí, narrando con las obras, sus experiencias desde cada lugar de enunciación.

James Campo

Richard Bravo

Paula Yunda

William Villota

William Bahos

Omar Lebaza

Manuel Bernardo Rojas

Edinson Quiñonez

Yeison Riascos

Carlos Calderón

Natalia Pipicano

Antonio Ayala

Angela Maya

Juber Gómez

Alexandra Chávez

Jesús Eduardo Grijalba